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Bienvenue àÌýDavid LeRue, nouveau membre du CRIEM!

David LeRue est un à l'Université Concordia, travaillant sur les manières dont la gestion des sites citoyens pourrait bénéficier de méthodes participatives issues de l'univers de la recherche-création.

Vous appliquez des méthodes communautaires d'éducation des arts à des expériences vécues à Montréal. Pouvez-vous en dire davantage sur ce que vous étudiez plus précisément?

Bien sûr! Je m'intéresse à la manière dont les principes de l'art communautaire et de l'éducation artistique peuvent être développés et appliqués en tant que méthodes d'étude de l'espace urbain, et à la manière dont la création artistique peut révéler des informations sur les dynamiques et les relations dans l'espace. Ma thèse de doctorat a développé une méthode de classe participative appelée création de recherche communautaire, dans laquelle les participant.e.s ont réalisé des œuvres d'art au cours d'une classe de huit semaines. Le cours s'est déroulé à Pointe Saint-Charles et a permis d'équilibrer l'acquisition de compétences et la réflexion sur le passé, le présent et l'avenir du quartier, que j'ai recueillie par l'intermédiaire d'observations et d'entretiens. Je me suis intéressé à la manière dont la création artistique pouvait se présenter comme un témoignage de longue durée, inspiré par le témoignage de longue durée des entretiens d'histoire orale. Cependant, contrairement à une interview, la création d'une œuvre d'art prend souvent de nombreuses semaines et plusieurs itérations, ce qui nécessite un engagement plus long qu'un entretien de 30 à 90 minutes.

Le travail que je prévois en tant que membre du CRIEM a été développé dans le cadre d'un projet de bourse postdoctorale qui aurait étudié l'applicabilité des méthodes participatives basées sur les arts à des contextes interdisciplinaires appliqués, en examinant la manière dont la création artistique pourrait améliorer la durabilité sociale. La participation se fait souvent par l'intermédiaire de rencontres de planification publiques, tandis que la durabilité dans la pratique semble se concentrer sur l'économie et l'environnement plutôt que sur le social. Si elle est utilisée correctement, la création artistique peut être un moyen incroyable d'envisager les lieux tels qu'ils sont et d'imaginer des avenirs plus justes. Dans ce projet, j'ai voulu développer les résultats de ma thèse de doctorat en quelque chose de plus appliqué dans un contexte interdisciplinaire. À l'aide d'ateliers participatifs organisés dans la ville sur des sites d'intérêt public (voir ci-dessous), je souhaite étudier comment la création artistique participative peut informer de manière significative sur les perspectives de l'espace.

Actuellement, mes fonds de démarrage sont adaptés à l'étude du travail de terrain basé sur le lieu pour les artistes-enseignants, à la recherche de liens entre la création artistique personnelle et l'élaboration de programmes d'études. J'ai une formation de peintre et l'une des composantes de ma thèse consistait à peindre des paysages en plein air en parallèle de mes recherches, ce qui a permis d'alimenter certaines réflexions et leçons que j'ai apportées dans mes classes.

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Vous comptez analyser deux sites qui sont un peu la nouvelle incarnation du potentiel de la participation citoyenne à Montréal: le et le . Pourquoi ces lieux, en particulier?

J'ai choisi ces sites parce qu'ils représentent la démocratie urbaine en action par le biais d'une participation relativement ouverte et ascendante. Au Bâtiment 7, certain.e.s ont remarqué qu'il y a de l'animosité avec les quartiers adjacents, et lorsque j'étais un membre actif, l'engagement du public était souvent difficile. Néanmoins, de nombreux voisin.e.s fréquentaient le bar et l'épicerie et soutenaient généralement le projet. Malgré ma participation directe au cours de mon doctorat, Bâtiment 7 était davantage un personnage d'arrière-plan dans ma recherche, dont je parlais mais que je n'abordais pas directement. Mais j'étais curieux de connaître les perceptions du projet et, dans les recherches à venir, je souhaite examiner l'impact d'un site comme celui-ci sur un quartier. J'admets que je ne suis pas aussi familier avec la dynamique quotidienne du Champ des possibles, mais je me suis concentré sur lui en raison de son profil relativement élevé en tant que victoire de l'activisme et j'ai suivi son développement au fil des ans.

Dans les cercles militants et dans certains milieux universitaires, on suppose que des sites comme Bâtiment 7 et le Champ des possibles offrent un moyen direct de s'impliquer dans la ville, et que plus de projets comme celui-ci mèneraient à plus d'action citoyenne qui mènerait à plus de satisfaction des besoins des citoyen.ne.s. Certes, Pointe Saint-Charles a connu de nombreuses victoires citoyennes au fil des ans, comme en témoignent les taux élevés de logements sociaux et les nombreux organismes de solidarité sociale. Mais beaucoup de ces sites ont des missions qui fournissent directement des services, alors que Bâtiment 7 et le Champ des possibles ont des missions ouvertes qui se concentrent sur l'autonomisation générale. Je souhaite étudier qui s'engage sur ces sites et ce que le grand public en pense. Favorisent-ils l'engagement civique et, si oui, à quelles fins ?

Un autre élément est la durabilité institutionnelle de ces sites, qui comptent sur des milliers d'heures de travail sous-payées ou bénévoles chaque année pour garder les portes ouvertes. Comme l'a fait remarquer l'un de mes mentors, ces sites font souvent l'objet d'une grande attention lors de leur création, mais cet enthousiasme s'estompe souvent une fois que le projet a démarré. Que se passe-t-il lorsque les sites sont gagnés et que ces projets passent de la «conquête» des espaces à leur maintien dans la pratique? C'est là que les cadres de durabilité sociale entrent en jeu. Bien que la durabilité ait fait fureur pendant un certain temps dans le domaine de l'éducation et des études urbaines, il semble que deux des trois volets - économique et environnemental - soient prioritaires par rapport à la durabilité sociale. Dans un pays comme le Canada où l'immobilier augmente beaucoup plus vite que les revenus (le prix médian des maisons est de l'ordre de 700 000$), il existe plusieurs projets écologiques et financièrement durables qui sont trop chers, trop petits et qui ne conviennent pas à la plupart des familles. À quoi ressemblerait un développement socialement durable? Bien que je ne sois pas convaincu que l'art engagé de la communauté puisse mettre un terme à 40 ans d'augmentation du coût du logement, j'espère qu'il peut aider à articuler ce à quoi ressemblerait une ville si les développements donnaient la priorité aux myriades de besoins des résident.e.s.

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Pourquoi est-ce pertinent et important de développer des méthodes propres à l'éducation des arts pour comprendre les changements urbains?

La réponse à cette question nécessite une réponse détournée. Dans le cadre de mon projet de doctorat initial, j'avais planifié une étude d'histoire orale et de recherche artistique sur les développements du bassin Peel, d'anciens terrains industriels détenus par le gouvernement fédéral à la limite du centre-ville et de Pointe Saint-Charles qui, en 2019, faisaient l'objet de deux propositions concurrentes. D'un côté, le milliardaire Stephen Bronfman souhaitait étendre les commerces haut de gamme, les condominiums et les bureaux qui avaient surgi de Griffintown. Le joyau de ce développement était un stade de baseball qui accueillerait une nouvelle franchise de baseball des Expos de Montréal. L'autre projet était celui de l'organisation militante , qui proposait la construction de milliers de logements sociaux, d'une école secondaire (qui a été négligée dans le réaménagement de Griffintown), d'une école de métiers et d'un espace commercial à loyer contrôlé. J'ai prévu de mener des entretiens oraux pour recueillir les perceptions des développements, l'histoire de l'espace et ce qu'ils.elles aimeraient voir dans un développement futur. Je représenterais ensuite ces points de vue en réalisant des peintures de paysage reflétant le passé, le présent et l'avenir de la ville. Les témoignages oraux nous permettent de comprendre comment l'espace et la mémoire convergent, et je voulais voir comment les points de vue multiples et éventuellement contradictoires sur cet espace pouvaient être représentés visuellement.

J'ai interrompu ce projet lorsque la pandémie a frappé et, pour passer le temps, j'ai commencé à enseigner en ligne à des adultes à l', une école d'art communautaire située dans le quartier. Je me suis appuyé sur mes recherches pour développer des cours qui intégraient le dessin et la théorie du paysage à la ville. J'ai basé le cours sur le cadre développé par Kevin Lynch, , qui soutient que les villes développent des images cohérentes basées sur les images individuelles des citoyen.ne.s. Les projets demandaient aux participant.e.s de réfléchir à leur propre image de la ville et de la représenter visuellement. Au départ, le cours était davantage axé sur les aspects techniques du dessin, mais les participant.e.s ont fait preuve d'un grand intérêt et d'une grande curiosité pour les éléments conceptuels. Impressionné par la profondeur de l'engagement, j'ai eu l'idée de développer un projet final. Ces projets ont également dépassé mes attentes les plus folles, les participant.e.s réalisant des dessins, des peintures, des œuvres sonores et même des .

Alors que la recherche était la chose la plus éloignée de mon esprit au début, ces cours m'ont montré que les participant.e.s à la classe communautaire pouvaient représenter leurs propres points de vue sur la ville sans que j'aie besoin de le faire pour eux.elles. Cette constatation a complètement bouleversé mon projet initial, ce qui m'a amené à théoriser cette expérience dans le cadre de la méthode de recherche-création communautaire mentionnée plus haut. Lorsque j'ai organisé un cours similaire dans le cadre de mon doctorat, j'ai trouvé des projets tout aussi convaincants, mais différents, qui exploraient des concepts dans la ville. L'imprévisibilité de la création artistique en fait un complément passionnant à l'étude inductive basée sur la communauté.

Je pense que la raison pour laquelle l'éducation artistique communautaire est efficace en milieu urbain est que les changements de lieu sont généralement de nature esthétique. Dans un quartier comme Griffintown, il est facile de visualiser les changements à l'aide de photos avant et après, et la façon dont les utilisations passées de l'espace sont préservées par des façades et d'autres marqueurs esthétiques. Dans les espaces postindustriels, il existe des couches d'éléments qui se construisent (et se détruisent) au fil du temps. Les gens changent, les significations changent, les industries changent, mais l'environnement bâti reste à la traîne. Les éléments de la ville semblent remarquablement efficaces pour raviver les souvenirs et alimenter le discours, d'autant plus que l'on ne peut s'empêcher de faire l'expérience de l'environnement bâti si l'on y vit. Certain.e.s auteur.trice.s ont longuement écrit sur l'éducation artistique communautaire en tant que facteur de changement social, mais je trouve qu'elle est un peu plus subtile et réfléchie qu'un outil efficace d'action directe.

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Vous êtes justement engagé dans la communauté, notamment comme enseignant à l'École d'art Pointe Saint-Charles. Comment votre implication dans la communauté informe-t-elle votre programme de recherche?

La classe communautaire est un lieu magique qui a favorisé mon développement en tant qu'enseignant. Dans le cadre de l'éducation formelle (université, collège, primaire et secondaire), quelque chose d'autre plane sur la salle de classe - le cours peut être obligatoire et donc ne pas être la matière préférée d'une personne, il peut y avoir des exigences institutionnelles en matière de notation, un cours peut être lié à certains résultats, et le cours peut être obligatoire, ce qui signifie que l'engagement est lié aux conditions d'obtention d'un diplôme. J'adore donner des cours à l'université, mais je sens toujours ces autres exigences planer sur les salles de classe. Lorsque j'ai commencé à enseigner régulièrement dans la communauté, j'ai eu l'impression qu'un poids m'avait été enlevé des épaules et que la salle de classe pouvait vraiment être consacrée à la discussion et à la création. C'est pour ces raisons que j'ai trouvé que la classe communautaire était un espace passionnant pour la recherche: en l'absence de résultats et de notes, la classe peut être dirigée par les passions de l'enseignant et des élèves.

L'engagement dans les cours communautaires est volontaire et basé sur l'intérêt, les participant.e.s s'inscrivent aux cours parce qu'il.elle.s sont intéressé.e.s par la matière et il.elle.s y restent parce qu'il.elle.s trouvent que cela en vaut la peine. Les élèves peuvent cesser de venir si un cours ne répond pas à leurs attentes et, en tant qu'enseignant, je me dois d'être au top de ma forme. Une partie de mon travail à la faculté d'éducation artistique consiste à travailler avec des enseignant.e.s en formation qui organisent des spectacles sur des sites communautaires, et l'une des choses que je souligne constamment est que les participant.e.s prennent la décision de passer leur temps libre avec vous alors qu'il.elle.s pourraient faire n'importe quoi d'autre. C'est une énorme responsabilité, mais aussi une formidable occasion de repousser les limites et d'essayer de nouvelles choses. Nombre de mes cours sont devenus plus inventifs, plus expérimentaux et plus utiles, mais je n'ai pu expérimenter de la sorte que parce que j'avais la confiance de mes élèves et la liberté qu'offrent les salles de classe communautaires. À l'université et dans d'autres cadres formels, je trouve que les conventions entraînent différents types de réactions de la part des étudiant.e.s et d'attentes quant à ce qu'est une salle de classe. Et bien que je m'efforce d'apporter la même passion dans les environnements formels, j'ai aussi le sentiment que je pourrais essayer moins et conserver l'engagement de la classe (ce qui ne veut pas dire que je plaide pour cela !).

Cet engagement est également essentiel pour les besoins de la recherche. La classe que j'ai enseignée pour ma thèse de doctorat s'est réunie pendant huit semaines à raison de trois heures à chaque fois (avec une séance facultative de trois heures chaque semaine), ce qui signifie que chaque participant.e a participé pendant au moins 24 heures au cours de l'étude. J'ai eu 20 adultes qui ont réfléchi à mes questions de recherche, ce qui représente près de 480 heures d'engagement et de réflexion. C'est une occasion rare et privilégiée pour tout.e chercheur.se de disposer d'un tel temps, mais je n'ai pas l'impression que j'aurais pu maintenir cet engagement sans que le contenu du cours ne soit intéressant d'une manière ou d'une autre (et en effet, certain.e.s ont décidé très tôt que ce n'était pas pour eux.elles). C'est une opportunité extraordinaire, mais elle s'accompagne d'une responsabilité tout aussi extraordinaire.

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Vous êtes peintre, comment peindre Montréal vous permet de mieux comprendre la ville?

C'est par la peinture que j'ai commencé à réfléchir sur les villes. Au cours de mes études et de ma maîtrise, je me suis intéressé à la théorie du paysage et à la manière dont les perceptions du lieu et de l'espace évoluent au fil du temps. Je peignais des villes, mais aussi d'autres espaces construits tels que des stades et des intérieurs bâtis. Dans ces projets, je m'intéressais à la manière dont les significations spatiales changent avec le temps, et les projets traitaient de l'idéologie des intérieurs construits tels que les condominiums, les stades et le sport, et la rénovation urbaine à travers les sites de construction.

Dans mes projets plus récents, j'ai commencé à peindre en plein air, ce qui est plus directement lié à ma recherche. Dans ma thèse, j'ai réalisé des dizaines de petites peintures à partir de boîtes de menthe minuscules (inspirées par l'artiste Instagram ) autour de la Pointe, ce qui a alimenté à la fois ma réflexion sur l'espace et certains des projets de l'étude en classe. Je n'y ai pas encore réfléchi de manière approfondie, mais je travaille actuellement sur un projet qui réfléchit à ce que la création artistique, telle que la peinture en plein air, offre aux formes spatiales d'étude.

Le meilleur endroit pour voir mon travail est maintenant Instagram, . J'admets que je n'ai pas accordé autant d'attention à la mise en ligne de mes peintures pendant mes études supérieures, mais j'espère avoir bientôt un site web fonctionnel! J'aime les tournants que ma carrière a pris, mais je rêve de recommencer à peindre plus régulièrement.

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Une journée parfaite à Montréal?

Petit déjeuner chez Jacquie et France à Verdun, suivi d'une promenade le long de la rivière jusqu'au parc des Rapides et au refuge d'oiseaux. Plus tard dans la journée, je prendrais le métro pour me rendre à mon atelier dans le Mile End pour peindre, en faisant une pause avec un.e ami.e dans un parc avec la quantité requise d'arachides et de fromage pour faire un pique-nique. Si la journée durait quatre heures de plus, j'irais peut-être au Jardin botanique...

En réalité, je ne pense pas pouvoir passer une mauvaise journée à moins qu'il ne neige. Ce que j'aime à Montréal, c'est qu'il y a toujours des choses peu coûteuses à faire.

3 symboles montréalais incontournables?

Bien que je puisse utiliser mon (mes) diplôme(s) pour formuler une critique en règle de l'observation des ruines, j'ai toujours un faible pour les zones non entretenues et informelles de la ville. La rénovation urbaine est nécessaire, mais les espaces et les lieux où l'espace est désordonné offrent toujours un grand intérêt visuel et font appel à ma sensibilité de peintre paysagiste.

À côté de mon studio dans le Mile End, qui se trouve à la fois à côté et le long de la voie ferrée (des deux côtés de la clôture...) et qu'il est toujours agréable de visiter. Je dirais que le jardin n'a pas vraiment de dimension, car ses sculptures se trouvent partout dans le quartier.

Le Silo #5 est peut-être l'une des architectures les plus démesurées de Montréal. Il se trouve sur l'un des plus beaux terrains de la ville, dans un endroit central, près de l'eau, et pourtant il se dresse comme un monument accidentel en décomposition, témoin du passé industriel de Montréal. Il ne suffit pas de le voir - je pense qu'il est plus efficace de le découvrir de manière organique. Il est immense et menaçant, et c'est un miracle qu'il ait été construit en premier lieu. L'une de mes réponses préférées à l'espace est l'œuvre d'art , qui a transformé le silo en instrument de musique.

La , sur la rue Sébastopol, est un lieu incontournable pour tous ceux qui s'intéressent à la ville. C'est l'une des vues les plus étonnantes de la ligne d'horizon, de la gare de triage et des éléments industriels et postindustriels qui sont encore adjacents au cœur de la ville. Il est particulièrement intéressant de le voir la nuit, au coucher et au lever du soleil. Lorsque je travaillais plus souvent à l'école d'art (située au coin de la rue), je venais souvent prendre un café entre les cours et dessiner.

Quartier favori?

J'aime Verdun, mais j'apprécie également les quartiers situés le long du canal de Lachine. Je les apprécie tous les deux parce qu'ils offrent de nombreux espaces de détente le long des cours d'eau.

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Ouvrages de référence sur l'éducation aux arts et la recherche-création:

• Lawton, P. H., Walker, M. A., & Green, M. (2019). Teachers College Press.

Ce livre est un peu plus axé sur les projets (et centré sur l'Amérique), mais il constitue une bonne introduction à la conduite de projets au sein de la communauté et à la recherche participative basée sur les arts.

• Loveless, N. (2019). Duke University Press.

Un excellent cours accéléré sur la recherche-création, l'appellation canadienne de la recherche basée sur les arts. Loveless parle des approches appliquées permettant de fusionner les deux passions que sont la création artistique et la recherche, et présente certains des fondements philosophiques de la recherche-création.

• Leavy, P. (2022). Guilford Publications.

Il s'agit davantage d'un ouvrage sur les méthodes (que je ne recommande pas nécessairement de lire d'un bout à l'autre), mais certains de ses aspects se sont avérés utiles pour présenter et envisager la recherche participative basée sur les arts, en particulier lorsque l'on combine d'autres méthodes.

• McFee, J. K., & Degge, R. M. (1980).

L'enseignante en art June King McFee a été active dans les années 1960 à 1990 en exhortant les enseignants en art à utiliser les espaces et les lieux familiers aux élèves pour développer des programmes d'études significatifs pour eux.elles. Cela m'a permis de développer mon approche de la ville.

• Wolcott, H. F. (2005). Altamira Press.

Ce livre est largement basé sur un travail ethnographique de terrain, mais en tant qu'artiste, je me suis surpris à y revenir parce que Wolcott met sur un pied d'égalité ce que signifie créer de l'art et ce que signifie faire de l'ethnographie sur le terrain. J'ai certainement pris la partie artistique beaucoup plus au pied de la lettre qu'il ne l'entendait, mais elle s'est révélée génératrice et a permis d'adopter une approche plus libérée de mes recherches sur les lieux et les espaces.